Dana Michel

Mercurial George

US PREMIERE

Thursday, January 5, 10:00pm
Friday, January 6, 8:30pm
Monday, January 9, 4:00pm – SOLD OUT*
Tuesday, January 10, 7:00pm – SOLD OUT*

* A waiting list will begin 30 minutes before each performance.

Run Time: 55 minutes

Abrons Arts Center, Experimental Theater
466 Grand Street / Tickets $20

Single Tickets Festival Pass

Where does identity come from? How do you find it for yourself and how is it placed on you? How can one’s identity register or fail to cohere in relationship to objects, feelings and affectation?

In Mercurial George, Dana Michel is “wading through the hairy rubble of a preliminary anthropological dig” asking “What is the smell of a plethora of someones that you have been avoiding your whole life? What do you do with the body?” Through fragmented gestures, loose and loaded signifiers, sounds and songs, this solo work provides the “ground to test skins” of Michel’s identity; “ideas that may or may not have been imposed.”

Mercurial George was co-produced by Festival TransAmeriques, Tanz Im August, CDC Atelier de Paris-Carolyn Carson, ImPulsTanz, and Chapter with residency support from Usine C, Dancemakers, ImPulsTanz, Actoral/La Friche Belle de Mai, WOOP, CDC Atelier de Paris-Carolyn Carlson, M.A.I. Additional support from Conseil des Arts et des Letters du Québec, Canada Council for the Arts.

Dana Michel receives administrative/development support from Daniel Léveillé Danse company as a part of its sponsorship project.

Photo by Sammy Rawal

Meg Stuart

An evening of solo works

Co-Presented with Goethe-Institut
and the Federal Foreign Office of Germany

US PREMIERE

Thursday, January 5, 8:30pm
Friday, January 6, 10:00pm
Saturday, January 7, 7:00pm

Run Time: 60 minutes

Abrons Arts Center, Playhouse
466 Grand Street / tickets $20

Single Tickets Festival Pass

“How to translate sensations and inner monologues into movement? Is it possible to track the hesitation before speaking, the movements not chosen, the spaces we travel to when we are daydreaming, the memories and projections that cloud our awareness of the present?” – Meg Stuart

In her solo works, Meg Stuart ventures into the monologue of movement, exploring everyday gestures, physical conditions and emotional states through improvisation. An evening of solo works presents a selection of Stuart’s body of solo works including XXX for Arlene and Colleagues (1995) and Signs of Affection (2010), as well as excerpts from evening-length performances. The evening offers an intimate and telling exposure to an American ex-pat, critically acclaimed overseas and rarely seen in the US.

An evening of solo works is produced by Damaged Goods (Brussels). Meg Stuart & Damaged Goods are supported by the Flemish Government and the Flemish Community Commission. Performances of An evening of solo works for American Realness 2017 are presented in collaboration with, and generously supported by the Goethe-Institut and the Federal Foreign Office of Germany.

Photo by Giannina Urmeneta Ottiker

On Visibile Invisibility and Queer Ecstatic Futurity

American Realness is fantasy and reality.

A location in the imagination and physical events in time and space. The festival was created in partnership with Abrons Arts Center in New York City in 2010 to call attention to the proliferation of choreographic and performative practices transcending the history of “lights and tights” in American dance, popularized throughout Europe by iconic choreographers Merce Cunningham and Trisha Brown. In its creation, American Realness served as an alarm call for the recognition of new aesthetic, somatic and performative practices complicating the expectations and histories of dance, theater and performance.

The alarm was heard around the world.

Now, seven years after its creation, American Realness travels to France for the first time, exploding its context with adventurous partners in Centre national de la danse (Pantin), Les Subsistances (Lyon) and Théâtre Garonne (Toulouse). Together we present seven projects across three cities between March 11 and April 13, 2016.

But what does it mean? How are we to understand this context and these works in another country with a different culture, its own social codes, aesthetic priorities and canonical histories?

American Realness signals different contextual readings.

The term “realness” comes from communities of color who created the Voguing Ballroom scene born in Harlem in the 1960s and later popularized though Jenny Livingston’s 1991 film Paris is Burning. Realness is coined in relationship to “passing” as something that you are not. It signifies an extremely successful form of self-presentation and performed authenticity. With the festival, we consider realness with this same relationship to the performativity of personhood and identity or character as employed through a lens of contemporary dance and performance. How are these artists constructing themselves and our shared reality in the performance experience? Often the space between reality and theatrical construction remains slippery, tenuous and thinly veiled. This tension and uncertainty in our reading of authenticity creates a heightened sense of engagement for the audience, forcing them to work through their experience.

Realness also functions as a signifier for the underfunded nature of American artists in relationship to their international peers, particularly in Western Europe. Here realness serves as acknowledgment that there is more frequently a “do-it-yourself,” raw aesthetic employed in American work. Making it work with what they have. Artists keeping it real.

Since its founding American Realness has worked with an agenda to make space for the marginal, both socially and artistically. The festival is intentionally non-mainstream; still it establishes a larger profile for the work.

Outside the foundation of realness, there are other thematic, ideological and aesthetic currents running through each festival’s composition. American Realness for dance2016 highlights “visible invisibility” and “queer ecstatic futurity.”

Visible Invisibility

refers to the work of Dana Michel, keyon gaskin and Ligia Lewis. Each of these artists employs radically different formal and theatrical strategies as frameworks for explorations of communication, context, and visibility in relationship to black identity, the art historical cannon and the global contemporary performance circuit. In each instance, the artist is simultaneously presenting and withholding aspects of themselves in their construction of our shared experience.

Dana Michel’s Yellow Towel dismantles stereotypes of black identity by interrogating ideas and objects that hold “blackness”. Throughout the work Michel withholds her gaze, rarely if ever making eye-contact with the public. With an alternative gaze, Michel keeps her audience captivated and engaged. This indirect communication establishes a heightened curiosity and invites a deeper inquiry from our viewing experience. She creates space for transformation.

keyon gaskin’s its not a thing is an anti-theatrical solo performance problematizing trends in contemporary performance. With the work gaskin poses questions around the “multifarious nature of care and opacity.” He undermines the roles of performer and spectator, challenging our rules of engagement. The work is a punk gesture. It is not your typical theatrical experience and that is the point.

Ligia Lewis takes the idea of invisibility a step further. With Sorrow Swag, she removes herself from the work, setting the solo on performer Brian Getnick. The piece uses texts by Beckett and Anouilh to address race, gender and sadness. The work operates with a rich and sensual theatricality offering a saturated experience of light and sound. While what is presented on stage is a lonely and iconic white male figure, much of the material of the work is derived from the deconstruction of black masculinity, raising questions of authorship, authenticity, perception and the assumed fixity of identity.

American Realness for dance2016 sets these works in conversation with each other and the public to complicate and compliment their readings in this context.

Queer Ecstatic Futurity

refers to the work of Simone Aughterlony, Antonija Livingstone and Hahn Rowe, Miguel Gutierrez and Trajal Harrell as they present alternative imaginings of our past, present and future.

In Supernatural, Aughterlony, Livingstone and Rowe create a landscape of ecstatic queerness through a terrain of “vibrant matter.” They wield axes, chop wood, and sling ropes across an electronic sound environment. The artists create a hyper-sensorial present where physical and gestural manifestations of gender construction are decimated through urgent expression and ecstatic communion.

Trajal Harrell’s Twenty Looks or Paris is Burning at The Judson Church: THE SERIES, from it’s beginning in 2009, shined a light on the voguing ballroom scene, realness, and their relation to postmodern dance history. With The Ghost of Montpellier Meets the Samourai Harrell looks toward a new imaginary historical meeting to construct a present and future of new possibilities.

Through Age & Beauty Part 1: Mid-Career Artist/Suicide Note or &:-/ and DEEP AEROBICS aka Death Electric Emo Protest Aerobics, Miguel Gutierrez is inviting, inspiring and demanding alternative constructions of contemporary society. What we know is queered into something new, provocative and expansive. Gutierrez is a practitioner of direct address, ecstatic improvisation and seductive charisma. These works present visually sophisticated worlds where hyper-ecstatic presence and participation plunge us into our capacity to see our world differently and create something new for ourselves and each other.

Take a dose of Realness

Through visceral, visual, and text-based explorations of perception, sensation, form and attention, the artists of American Realness for dance2016 expose issues and questions around identity, ritual, blackness, history, queerness, pop-culture, and futurity in an American-focused, globally-minded context. American Realness exposes the cracks in the façade: of the practice of art making; of the construction of contemporary society; of our increasing inability to practice authenticity.

It is a privilege and an honor to assemble and present the work of these visionary artists with adventurous partners and audiences across the ocean. American Realness for dance2016 is an opportunity to open your mind, shift your context, practice generosity, attention and exchange. Reclaim the reins. Rewrite the narratives. Thank you for participation. Practice Realness.

Thomas Benjamin Snapp Pryor
Founder, Curator & Producer
American Realness

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AMERICAN REALNESS entre Imaginaire et réalité.

Un lieu ancré dans l’imaginaire ; des événements ancrés dans l’espace-temps. American Realness a été créé à New York en 2010 en partenariat avec l’Abrons Arts Center. Ce festival veut rendre visible la multiplication de pratiques chorégraphiques et performatives défiant la tradition des «Lights and Tights » (lumières et collants) de la danse américaine popularisée dans toute l’Europe par des chorégraphes emblématiques tels que Merce Cunningham et Trisha Brown. Le festival Américan Realness a tiré le signal d’alarme et permis de faire reconnaitre de nouvelles esthétiques, de nouvelles expériences physiques ou chorégraphiques ajoutant à la complexité des critères régissant la dance, le théâtre et les arts du spectacle traditionnels.

Le signal d’alarme a résonné dans le monde entier.

Sept ans après sa création, American Realness traverse l’Atlantique pour la première fois avec l’aide de partenaires tels que leCentre national de la danse (Pantin), Les Subsistances (Lyon) et Théâtre Garonne (Toulouse). Ensemble, nous présenterons sept projets à travers la France du 11 mars au 13 avril 2016.

Qu’est-ce que cela racontera ? Comment ces œuvres seront reçues et comprises dans un pays ayant une culture, des codes sociaux, des priorités et des canons esthétiques différents?

American Realness propose de lire le monde autrement.

Le terme « realness », que l’on pourrait tenter de traduire par authenticité en français, trouve ses origines dans le mouvement Voguing Ballroom apparu dans les années 60 à Harlem. Il a été créé par les minorités noires et hispaniques de l’époque. Le mouvement est alors rendu populaire en 1991 avec la sortie du film de Jenny Livingston Paris is Burning. Ce mot, realness, a été choisi car il évoque cette faculté à incarner un personnage que l’on n’est pas… tout en y mettant beaucoup de soi-même. Il est une manière extrêmement brillante de se présenter qui révèle d’une certaine authenticité. Ce festival, de la même manière, tente d’explorer cette notion de realness et d’identité au travers du prisme de la danse et de la performance.

Comment ces artistes au travers de leurs performances, se construisent-ils eux-mêmes et construisent-ils le monde que nous partageons avec eux. Bien souvent, l’espace entre la réalité et la mise en scène est glissant, fragile, à peine dissimulé. La tension et l’incertitude générées par le sentiment d’authenticité que le public prête aux pièces crée chez lui une possibilité forte de projection personnelle le poussant à revivre ou à faire ses propres expériences.

Realness sert également de symbole pour les artistes américains si peu subventionnés face à leurs homologues internationaux, en particulier leurs homologues issus du l’Eueope du l’ouest. À cet effet, realness rappelle qu’il est plus fréquent de voir, dans cet art contemporain américain, des œuvres d’une esthétique à l’état brut, générées par une mentalité de « do it yourself » et d’indépendance du travail. On fait avec les moyens du bord, en maintenant son intégrité.

Depuis sa création, American Realness veut créer un espace pour faire exister les marges qu’elles soient artistiques ou sociales. Le festival se veut délibérément « underground » même s’il offre une couverture très médiatisée aux œuvres qu’il présente.

Au-delà de ses fondements, le festival realness explore également d’autres thématiques. American Realness for dance2016 souhaite explorer les thèmes « la visibilité invisible” et le « queer ecstatic futurity ».

La visibilité invisible

Cette notion fait référence aux travaux de Dana Michel, keyon gaskin et Ligia Lewis. Chacun de ces artistes emploie des stratégies formelles et théâtrales radicalement différentes. Ces stratégies servent de cadre pour explorer des questions de communication, de contexte et de visibilité en relation avec l’identité noire, les canons esthétiques historiques et le circuit de la performance contemporaine mondiale. Dans chaque cas, les artistes présentent et retiennent des aspects d’eux-mêmes dans la construction de notre expérience commune.

Dans Yellow Towel de Dana Michel, l’artiste détruit les stéréotypes associés à l’identité noire en interrogeant les objets qui l’incarnerait. Durant la pièce, Dana Michel a le regard fuyant, et ne regarde que rarement, si ce n’est jamais, son public dans les yeux. Cependant, elle captive l’attention. Elle suscite par cette absence une curiosité et un questionnement, elle attise notre curiosité, propice à la transformation.

Le solo de keyon gaskin intitulé its not a thing va à l’encontre de la mise en scène théâtrale. Il remet ainsi en question les codes de la performance contemporaine. Dans son solo, gaskin soulève des questions concernant “la nature polymorphe des soins et de l’opacité.” Il conteste les rôles endossés par le perfomer et son public, défiant ainsi les règles du spectacle. Son œuvre est un geste punk, elle n’a rien d’une expérience théâtrale typique, ce qui en fait tout l’intérêt.

Ligia Lewis pousse loin les barrières de l’invisibilité. Dans Sorrow Swag, elle s’extrait de son œuvre pour mettre en scène un solo dont Brian Getnick est l’interprète. La pièce utilise des textes de Beckett et d’Anouilh pour aborder les questions de race, de genre et d’exclusion. Ce solo se dévoile avec une théâtralité riche et sensuelle, offrant une expérience saturée en lumière et en son. Bien que l’interprète incarne une figure solitaire de l’homme blanc, la matière de cette pièce est tirée d’une tentative de déconstruire l’idée d’une certaine masculinité de l’homme noir et pose des questions sur le réel, la perception et la réalité soi-disant immuable de l’identité.

Les pièces au programme d’American Realness for dance2016 sont des dialogues entre les artistes et leur public qui interrogent et complexifient ce que chacun peut lire du monde.

Queer Ecstatic Futurity

Les œuvres de Simone Aughterlony, Antonija Livingstone & Hahn Rowe, Miguel Gutierrez et Trajal Harrell explorent des révisent nos vues sur notre passé, présent et futur.

Dans Supernatural, Aughterlony, Livingstone & Rowe créent un environnement « extatique queer ». Ils manient la hache, coupent le bois, dans un univers sonore saturé de musique électronique. Les artistes créent un espace présent hyper-sensible où les manifestations physiques et corporelles de la construction du genre sont décimées par une grande urgence artistique d’où semble émaner de nouveaux champs de possibles.

Avec la sortie de Twenty Looks or Paris is Burning at The Judson Church: THE SERIES, Trajal Harrell, dès 2009, popularise le Voguing, le mouvement realness et la relation que ces deux courants entretiennent avec l’histoire de la danse post moderne, tandis que The Ghost of Montpellier Meets the Samourai d’Harrell explore une rencontre imaginaire historique visant à recréer des nouvelles possibilités présentes et futures.

Dans Age & Beauty Part 1: Mid-Career Artist/Suicide Note or &:-/ and DEEP AEROBICS aka Death Electric Emo Protest Aerobics, Miguel Gutierrez interroge, invite, inspire et demande une nouvelle construction de la société contemporaine. Ce que l’on perçoit est détourné en quelque chose de nouveau, provocateur et plus vaste. Gutierrez s’adresse au public de façon directe, il improvise de façon extatique et fait preuve de charme et charisme. Ses œuvres nous proposent des univers visuellement très sophistiqués, dans lesquels sa présence nous donne la capacité de voir le monde différemment et d’imaginer un nouvel univers.

Prenez une dose de Realness

Grâce à des explorations intimes, visuelles, et textuelles de la perception, de la sensation, de la forme et de la réalité, les artistes américains de Realness for dance2016 soulèvent des questions autour de l’identité, du rituel, de la question noire, de l’histoire, de la question queer, de la culture pop et de l’avenir dans le contexte américain. American Realness met en lumière les lacunes de la création artistique, de l’édification de la société contemporaine et de notre incapacité croissante à incarner une certaine authenticité.

C’est un honneur de rassembler et de présenter devant le public français le travail de ces artistes visionnaires avec l’aide de nos partenaires. Realness for dance2016 est l’occasion d’ouvrir nos horizons et de favoriser l’échange. Prenons les devants. Réécrivons l’histoire. Nous vous remercions pour votre participation. Pratiquons le Realness.

Thomas Benjamin Snapp Pryor
Founder, Curator & Producer
American Realness

Miguel Gutierrez

DEEP AEROBICS

April 3, Les Substances, Lyon France
April 9, Centre national de la danse, Pantin France

Death Electric Emo Protest Aerobics aka DEEP AEROBICS is a workout form invented and shamelessly disseminated by New York-based choreographer Miguel Gutierrez. It is one hour plus of the communal/political/conceptual/imaginational workout experience you always wanted but never could embarrass yourself enough to find or do in public. It is for anyone who has ever had any interest in combining the joie de vivre that is the vigorous bouncing of one’s anatomical/spiritual/ energetic molecules with the existential absurdity that is living in a world/country/economic system of injustice, war-mongering, and cultural ineptitude. DEEP AEROBICS is a participatory spectacle – it’s a movement, it’s a transformative experience for the mind/body/spirit/genital matrix. Gutierrez asks that each participant come in costume. Please push your imagination beyond the 80’s! Stylists will be present with materials for on-site costume adjustments as necessary.
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DEEP AEROBICS (pour Death Electric Emo Protest Aerobics). L’aérobic absurde de Miguel Gutierrez est au-delà de la chorégraphie et de la technique ! Il vous propose un entraînement collectif avec vos plus beaux collants en lycra, bandeaux pailletés et attributs les plus déjantés, tendance queer mâtinée de Véronique et Davina.

Une heure de tubes pour la meilleure – et peut-être la seule – leçon d’aérobic de votre vie. Si vous venez, vous dansez que vous ayez n’importe quel âge, n’importe quelle condition physique : l’important c’est l’enthousiasme, l’envie de rire et d’entrer dans cet étrange rituel qui revendique la joie de vivre et l’envie de contester ensemble !

Entrée gratuite mais venez déguisés, et poussez votre imagination au-delà des années 80 !

Photos by Pekka Mäkinen

Trajal Harrell

The Ghost of Montpellier Meets the Samurai

April 8 & 9, Théâtre Garonne, Toulouse, France

With The Ghost of Montpellier Meets the Samurai, Harrell invents a new meeting of historical figures, promising surprising choreographic explosions. Two legends of contemporary dance serve as a pretext for an irreverent tribute that integrates elements of stand-up, fashion runway vaunts, and breathtakingly executed choreography mixing high modernism with romanticism and a street/club sensibility. The ghost of Montpellier might be Dominique Bagouet, France’s renowned figure of 1980s Nouvelle Danse; the samurai might be Tatsumi Hijikata, the founding father of the experimental Japanese dance form butoh—but this dance is full of surprises. The Ghost… invites itself—and you—into a reimagined dreamlike contemporary dance history.
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Trajal Harrell a commencé par enflammer les scènes américaines puis européennes avec une série de “danse-fiction” : décliné en plusieurs tailles et sur plusieurs années, son Paris is Burning télescopait les expérimentations conceptuelles de la Postmodern Dance et les poses lascives du Voguing, issu de la culture underground afro-américaine et latino. Avec The Ghost, Harrell entame une nouvelle série et invente une rencontre encore plus improbable – et qui promet autant de déflagrations chorégraphiques. Le fantôme de Montpellier, c’est Dominique Bagouet, figure de la Nouvelle Danse dans les années 80 ; Le samouraï, c’est Tatsumi Hijikata, père du butô. Deux légendes de la danse contemporaine, prétextes à un hommage pour le moins irrévérencieux et à une performance électrisante : sur le plateau, la grâce et l’énergie de cette famille de danseurs sont proprement sidérantes. Accueillie en résidence à Garonne avant d’être créée à Montpellier Danse en juin 2015, la nouvelle production du New Yorkais s’invite dans l’histoire de la danse contemporaine : mais une histoire rêvée…

The Ghost of Montpellier Meets The Samurai is a coproduction of Festival Montpellier Danse 2015, Festival d’Automne 2015, Centre Pompidou (Paris), Hau Hebbel am Ufer (Berlin), Théâter Garonne (Toulouse), Walker Arts Center (Minneapolis), New York Live Arts, and King’s Fountain. Residency support has been provided by Montpellier Danse L’Agora, Centre national de la danse (Pantin), Monty (Antwerp), Centre national de la danse contemporaine under the direction of Emmanuelle Huyhn (Angers). Funding Support has also be provided by French US Exchange in Dance (FUSED), Creative Capital, and The New England Foundation for the Arts’ National Dance Project, with lead funding from the Doris Duke Charitable Foundation and The Andrew W. Mellon Foundation, with additional support from the National Endowment for the Arts.

Photo by Orpheas Emirzas

keyon gaskin

its not a thing

April 7 & 8, Centre national de la danse, Pantin, France

keyon gaskin prefers not to contextualize their performances with their credentials.
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keyon gaskin préfère ne pas contextualiser ses performances par us texte de présentation ou des références biographieques.

Photo by Ian Douglas & Robert Duncan Gray

Dana Michel

Yellow Towel

April 2 & 3, Les Subsistances, Lyon, France
April 8 & 9, Centre national de la danse, Pantin, France
April 23 & 13, Théâtre Garonne, Toulouse, France

As a child, Dana Michel would drape a yellow towel on her head in an attempt to emulate the blonde girls at school. As an adult, she now revisits the imaginary world of her alter-ego in a performative ritual free of cover-ups or censorship. Blending austerity and absurdity, she digs into black culture stereotypes, turning them inside out to see whether or not she can relate. We witness her allowing a strange creature to emerge from this excavation in a slow and disconcerting metamorphosis that we follow with fascination.
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Enfant, Dana Michel coiffait ses cheveux d’une serviette jaune (yellow towel) pour ressembler aux blondinettes de son école. Aujourd’hui, elle revisite son imaginaire enfantin et ressuscite sur scène cet être hybride, monstre né des frustrations et stéréotypes de la culture noire, qu’elle détourne dans une danse tour à tour grave et bouffonne. Peu à peu la créature étrange se métamorphose, le fantasme se dissipe, un être apparaît dans la blancheur dépouillée du plateau… Un fascinant numéro de transformisme chorégraphique, qui révèle les failles d’une société à mesure qu’il dévoile les éclats d’une jeune artiste à suivre.

Yellow Towel was co-produced in Montréal by Festival TransAmériques and Studio 303 and was developed through residencies at Compagnie Marie Chouinard, M.A.I., Usine C, Circuit-Est centre chorégraphique, Studio 303 , Agora de la Danse and Le Chien Perdu (Brussels). The creation of Yellow Towel was additionally supported by Conseil des Arts et des Lettres du Québec, Canada Council for the Arts, Cirque du Soleil Cultural Action program and M.A.I.. Dana Michel receives development and administrative support from Daniel Léveillé danse (Montréal, Canada) as part of its sponsorship project.

Photos by Ian Douglas

Ligia Lewis

Sorrow Swag

April 1 & 2, Les Subsistances, Lyon, France
April 7 & 9, Centre national de la danse, Pantin, France
April 12 & 13, Théâtre Garonne, Toulouse, France

Sorrow Swag takes race and melancholy as points of departure for an experience that unfolds through the language of sadness. Performed by Brian Getnick with live musical accompaniment by George Lewis Jr. of Twin Shadow, the performance uses texts and images derived from mid-century classical theater (Beckett and Anouilh) to interrogate race, authorship, gender, and grief. Sorrow Swag disrupts the canonical by means of an imaginative reformulation that prioritizes sensation. The work takes place in an immersive visual and auditory space and uses color as a synesthetic texture and emotional referent to produce a choreography that engages language, text, affect and embodiment.
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Les voix du refus et de la résistance à l’ordre imposé peuplent le corps étrange et habité de ce jeune performer qu’est Brian Getnik, originaire de Los Angeles. Ligia Lewis, qui a écrit la pièce pour lui, est née en République Dominicaine et a grandi aux États-Unis. Avec Sorrow Swag, elle nous embarque dans une étrange traversée de sensations, de sons, de visions s’inspirant de Beckett et d’Anouilh, évoquant la tristesse comme une forme de résistance politique aux injonctions de bonheur portées par la société contemporaine. La bande-son a été composée par son frère jumeau le musicien Twin Shadow : la performance – loin d’être nostalgique – est électrique autant que physique, musicale et visuelle.

Sorrow Swag was produced with funding from the Berlin Senat’s Tanzstipendium with further support from Human Resources Los Angeles, ADA Studios Berlin, and a residency at Pieter Space LA. Sorrow Swag is presented in collaboration with, and in part made possible by the generous support of the Goethe-Institut.

Photo by Ian Douglas

Miguel Gutierrez

Age & Beauty Part 1: Mid-Career Artist/Suicide Note or &:-/

April 1-3, Les Substances, Lyon France
April 7-9, Centre national de la danse, Pantin France

Age & Beauty Part 1: Mid-Career Artist/Suicide Note or &:-/ is the first of a suite of queer pieces Gutierrez is creating over the course of three years that addresses the representation of the dancer, the physical and emotional labor of performance, tropes about the aging gay choreographer, the interaction of art making with administration, the idea of queer time and futurity, and mid-life anxieties about relevance, sustainability, and artistic burnout. Part 1 is a duet for 43-year-old Gutierrez and 24-year-old performer/dancer Mickey Mahar and follows from a packed set of precise unison dances to an irreverent and celebratory corruption of orderliness, suggesting modes of communication and relations where hyper-emotional affect is not only the conceptual and choreographic core of the performance, but also the only hope for continuing in this fucked-up world.
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Age & Beauty Part 1 : Mid-Career Artist / Suicide Note or &:-/ est la première d’une série de pièces « queer » que Miguel Gutierrez a créée ces trois dernières années. Miguel Gutierrez, 44 ans aujourd’hui, a incarné la relève d’une danse underground new-yorkaise festive, homosexuelle, non-conformiste jouant sur le kitsch, le bigarré mais aussi sur une extraordinaire technique de danseur, chanteur et chorégraphe.

Radical et pop en somme. Cette partie 1 – Notes sur un suicide – magnifique duo avec le jeune danseur Mickey Mahar 25 ans, interroge les particularités des temps queer, l’imbrication entre le mode de vie et la position artistique : il traite sans concession de rêves de gloire et de compromission, de la transformation du corps, de vieillesse et d’amour.

Age & Beauty Part 1: Mid-Career Artist/Suicide Note or &:-/ was commissioned for the 2014 Whitney Biennial and was made possible with support and developmental residencies from the Maggie Allesee National Center for Choreography at Florida State University, the ]domaines[ program at Centre Chorégraphique National de Montpellier Languedoc-Roussillon in Montpellier, France, and Hollins University in Roanoke, Virginia.

Photos by Ian Douglas